Зохра Аскерова
Одиссея «корабля дураков»
С. Калмыков в своем дневнике писал: «…глаза надо тренировать, дабы они видели и линии, и цвет, и перспективные сдвиги, искажения! А то ходят как от рождения слепые и воображают, что умны. И никто не умеет смотреть на то, что у вас перед глазами. Зачем, мол, цвет, линии, краски? Это де –шарлатанство, абстракция. Смысл, мол, в том, что у всех на виду. Не в существовании идеологии дело. И не в их борьбе! Это все болтовня!.. Хотят заставить всех оставаться дураками! Хотят запретить говорить, думать, смотреть! Действовать только так, как принято, то есть в наше время, по дурацки! …Одно и тоже! Одно и тоже! До одурения! До смерти! А потом хлоп! Разочарование!» Как видите, мастер решительно отвергает идеологические принципы социализма. Преодолевая стены, отражающие реализм социализма, он становится полноправным владельцем своей одинокой жизни и искусства. Массовость, обыденность – понятия чуждые Калмыкову. Хоть Калмыков и был удален от общества, но его маленькая, грязная палата в сумасшедшем доме была способна раскрыть широкие горизонты для художественных идей. Его адрес – это живое пространство, фантастические существа, невидимые обычному взгляду, яркие картины природы. Он готовился прожить несколько столетий и почему-то верил в это… Но главное заключалось в том, что ему удалось выполнить свою высшую миссию с великой преданностью, трудностями, достоинством и терпением. Художник Любовь Плахотная пишет в своих воспоминаниях: “Изредка Союз Художников Казахстана помогал ему материально. В начале 50-ых годов местком купил ему новое пальто. Калмыков немедленно распорол его, вставил крылья-клинья, раскрашенные масляной краской, и заявил всем, что продолжает создавать новую мировую моду. Та же участь постигла и несколько подаренных ему костюмов». Из афоризмов Калмыкова: «Надо уметь быть непонятным, но простым, понятным, но сложным. Надо дробить простые поверхности. В этом существо живописи».
«Калмыков прочитал книгу «Ступени. Текст художника» Василия Кандинского, изданную в Москве в 1918 году и нашел в ней много важного для себя. Именно поэтому, он неоднократно обращался в 1920-1950-е годы к опытам абстрактного искусства, в которых продолжал традицию «импровизаций» основоположника беспредметного искусства». (В. С. Турчин)
Не удивительно, что Калмыков целыми днями творил, не зная покоя. Он автор тысяч легенд, афоризмов, эссе, романов и либретто «Лунный джаз». По стилистике его творчество многогранно. В нем можно встретить реализм, импрессионизм, сюрреализм, дивизионизм и другие жанры. Художник, обладающий умением китайской каллиграфии, зеркального письма, графики живописи, возводил на холсте Вавилонскую Башню, создавал проекты дорог древнего Египта, известные ему одному аппаратов, которые могут жить в космосе.
Калмыков называл гениальность – биологической трагедией. На самом деле он ощущал эту «трагедию» вдалеке от времени, в котором жил – на горизонтах творчества. В статье «Профессиональный гений» А. Яковлева отмечает, что дружба со «всем миром» заменяет ему дружбу с конкретными людьми. Он полностью пожертвовал собой ради творчества. А ведь на это не каждый способен. События в его картинах «Три грации», «Девушка, расчесывающая волосы», «Кариатида» и другие изображены по-Калмыковски. Один из нейрохирургов увидел в его картине основы нейрохирургии. Художник в точности передал биение нижних частей нервных клеток спящего мозга. Он смог передать работу спящего мозга.
После смерти художника, некоторые его картины повесили на стены психиатрической больницы. Остальные же хранятся в архивах, музеях, личных коллекциях. Превратившаяся в «биологическую трагедию» гениальность Сергея Калмыкова, пожертвовавшего своей жизнью, проведенной в нищете и голоде, своим священным желаниям, позднее завоевала сердца почитателей искусства. Даже его поклонник русского происхождения Алекс Орлов, живущий в Америке, продав свое имущество за 1 миллион долларов, начал искать в личных коллекциях по всему миру наследие Сергея Калмыкова и в течении года скупил большую часть его работ. Алекс Орлов создал фонд Калмыкова, напечатал альбом-каталог его работ. Но самая большая личная коллекция работ художника принадлежит Ричарду Спунеру. Оставивший своим творчеством далеко позади век, в котором жил, Сергей Калмыков был художником космического пространства, которое и было его настоящим домом и источником вдохновения. Еще при жизни его ноги словно оторвались от земли и он, как путник дивного, тайного творческого мира, смог открыть дверь в вечность.
Сергей Калмыков предвидев свое будущее писал в своем дневнике: «Хвастливость и известность-две вещи несовместимые», и вот сейчас говорю: «Скоро обо мне заболтают-это будет что-то особенное»! Но в этих словах, как ни странно, нет противоречия! Что значит «скоро» с точки зрения вечности»?! Скоро – может значить «очень не скоро»: через несколько тысяч лет, по- моему!. И меня будут хвалить, и я буду известностью. Когда уже не смогу быть хвастуном, когда меня уже не будет»!
Хоть творческие люди живут и творят в разные эпохи, в разных жанрах, их адресат один – вечность. Они познают мир своим внутренним миром… Жорж Батай живет в виртуальном театре, который открыл внутри себя, Сергей Калмыков же считает свою жизнь театром. В его театре художник сам и постановщик, и актер, и зритель. Римский император Октавиан Август сказал: «Как вам кажется, хорошо ли я сыграл комедию своей жизни? Если вам понравилось, может вы, поаплодируете мне? Самая главная реплика произносится, уходя со сцены».
Отойду немного от темы. Издревле основателем театра считался Эсхил. В те далёкие времена сначала играли трагедию, а затем комедию. Луций Анней Сенека (младший) говорил, что жизнь – это пьеса и не так важно, сколько она длится, важно, как ее играют.
Однако, сколько гениев с успехом сыграли на сцене жизни, которую Шекспир называл театром?! Отмечу, что одним из владельцев знаменитого театра «Глобус» был У. Шекспир. В ту эпоху по жанру пьесы, которую играли на сцене театра «Глобус», перед театром вывешивали флаг. Если играли трагедию – флаг был черным, если комедия – белый флаг, если историческая драма – вывешивали красный флаг. В 1599 году красный флаг перед театром приглашал на премьеру пьесы У. Шекспира «Юлий Цезарь». История всегда приветствует с уважением и аплодисментами не только тех, кто находится внутри театра, но и тех, кто «носит» театр в себе.
Опыт каждой эпохи воспитывает своих мастеров, философов, ученых. Но сегодня «под воздействием техногенной цивилизации, искусство теряет свойственный ему характер эволюции, меняются не только его стиль и формы, но и его основы». Видимо поэтому видные деятели своими открытиями, своим творчеством смогли наложить отпечаток на время, в котором жили. Ф. Шлегель сказал: «История – это пророк, заглядывающий в прошлое». Давайте ненадолго отправимся в прошлое, в XV-XVI века.
В 1492 году Христофор Колумб открыл Америку и Испания, как колониальное государство, стало обогащаться. В Европе свирепствовала чума, ее называли «черной смертью». Мартин Лютер привнес в христианство новшества, такие понятия, как свобода. А какие новшества принес в исскуства художник Иероним Босх? Вспомним его триптих «Сад наслаждений», говорят, так его назвали исследователи. На протяжении веков это творение искусства было темой жарких споров. Триптих хранится в Мадриде, в музее Прадо. В триптихе Босха, считающегося отцом сюрреализма (Андре Бретон называл именно его основателем сюрреализма), не только у обнаженных людей, птиц, зверей, фантастических предметов, но даже и у цветов есть свое глубокое значение. На самом деле, автор с большим мастерством использовал в произведении символы бестиария. Животные – верблюд, заяц, свинья, лошадь, лягушка – живые создания воображения Босха. Фрукты и цветы символизируют временность мирских наслаждений. Розовый цвет символизирует жизнь и божественность, голубой – мир, красный – страсть, коричневый – интеллект. Хотя в изображении рая, использовано много зеленого цвета, в аду его не встретить. За каждое деяние человек награждается либо раем, либо адом.
Несмотря на то, что этот триптих носит религиозный характер, его было запрещено показывать ни в одном религиозно значимом месте. На триптих надо смотреть слева направо. Говорят, что в картине фантастическая стеклянная посуда напоминает предметы для магии. Это произведение известно еще и под названием «Алхимический сад». Фантастические сцены из этого триптиха почему-то напоминают мне сцену из 29-ой песни «Чистилища» «Божественной комедии» Данте. Там дается необычное описание божественного света, людей, животных, природы, в частности полу-золотого, полу-красного грифона. Кроме того, описание женщин с разноцветными телами, повторяющих танец трехглазой танцовщицы, семь человек в одеждах духовенства с сиянием на лбу и венком из красных роз на голове, прекрасная тема для кисти художника. Созданный словами пейзаж не остается незамеченным читателем. Стоит отметить, что анализ «Сад наслаждений» может занять достаточно много времени. Но в итоге, до конца не понять задумку Босха… Отмечу, что голые люди на картине в основном розового цвета. Объяснение этому дает только Джонатан Блэк в книге «Тайная история мира»: «Такие художники, как Питер Брейгель и Иероним Босх часто изображали проточеловеческих существ, состоящих из розовых восковых костей. Художественные критики до сих пор не обнаружили источник этих образов, «зашифрованным» в книге мягким и аморфным, теперь начинает затвердевать. Яков Бёме в своем комментарии в Книге Бытия писал «что со временем (тело человека) превратилось в кость, затем затвердело и стало похоже на воск». Согретые солнцем, его зеленные конечности также начали приобретать розовый оттенок».
Как и в «Корабле дураков», в сцене ада в «Саду наслаждений» монахи, обычные люди хором распевают песни в пьяном состоянии. Наказанием в аду стали музыкальные инструменты людей, которые провели жизнь лишь в развлечениях. Ныне же, музыкальные инструменты обернулись в орудия пыток против них. На картине, в сцене ада есть темнокожие люди, лягушки, совы, рыбы, безымянные странные существа, символизирующие темные силы. Творчество художника не типично для европейской живописи. Сюрреалистичные, комичные сцены ада и рая незабываемы. Произведение Босха словно вселенская симфония в 4-х частях. Что же хотят зрителю сказать замолкнувшие звуки, ноты позади раздавленного человека в сцене ада, толстая книга, состоящая из нот? Мелодия, представленная одним из исследователей картины, желающим озвучить эти ноты, оставила во мне после прослушивания глубокий след. Музыка, исполняемая на древних инструментах, словно воссоздает связь с картиной. Думаю, лучше всех понять музыкальный язык героев и событий в произведениях Босха смог бы Альфред Шнитке, потому что большинство произведений, сочиненных им в сюрреалистичном духе и сегодня звучало бы в унисон с триптихами. Например, «Сюита в старинном стиле», «Концерт для хора», «Желтый цвет» и другие…
В книге “Тайная ересь Иеронима Босха» Линда Харрис пишет: “Как ни странно, но творчество Иеронима Босха так и не было понято, отдельные попытки искусствоведов иногда кажутся убедительными, но структуру его символики так никто и не охватил… Оказывается художник, которого на протяжении всей его жизни считали «добропорядочным» христианином, вел двойную жизнь, и все его произведения последовательно передают доктрины, отдаленные от канонического христианства». Дабы понять мысли Линды Харрис нужно обратится к его картине «Корабль дураков». В древности церковь называли кораблем… В 11-ой песни «Рая» «Божественной комедии» Данте отмечается, церковь – корабль Петра: «Достоин был вдвоем ладью Петрову, средь волн морских по верному пути!» Затем, в 25-ой песни вспоминает как церковь, в которой его крестили: «Затем что в веру, души перед Творцом Являющую, там я облачился. И за нее благословлен Петром». Как те люди, что спаслись в ковчеге Ноя, так и «плывущие на ладье» Петра, будто бы обретут спасение в христианской религии. В «Корабле дураков» Иероним Босх разоблачает тех, чьи мысли и деяние противоречат друг другу.
Важно отметить Паолу Волкову, запомнившуюся интересными передачами и лекциями о творчестве И.Босха. Видный культуролог Паола Волкова известна своими авторскими передачами «Мост над бездной», в которых она своеобразно анализирует произведения искусства всемирно известных авторов. После прослушивания интересных лекций обладающей энциклопедическими знаниями Паолы Волковой, смотришь на мир, на искусство по-новому, стараешься узнать историю гениев, прославившихся своими произведениями. Обратимся к ее мыслям: “Я полагаю, что вся та история культуры, которую мы знаем не только благодаря тому, что она является предметом музейного хранения или археологического обнаружения, а еще и потому что она отвечает на какие-то вопросы и сейчас. Это непрерывная история комментария. ХХ век –это век комментария. Это мост через бездну. Мы переговариваемся с нашим прошлым. Благодаря этому бесконечному комментарию с мировой художественной культурой, мы имеем психологическое, интеллектуальное и душевное богатство. Сегодня, несомненный кризис идей и идеологии».
Известный эссеист и психолог Ревекка Фрумкина пишет в своей статье посвященной Паоле Волковой: “В одном из интервью Паола Волкова рассказала, что когда в 70-е годы она оказалась за границей и впервые смогла увидеть Вермеера, Веласкеса, Микеланджело, Рембрандта не на репродукциях, а в реальном пространстве музеев, то она испытала настоящий шок и даже слегла c высокой температурой…В лекциях Волковой нам предлагаются не отдельные трактовки, свойственные именно ей как знатоку, а скорее нам открывается процесс, описанный Давидом Самойловым в стихотворении «Слова»:
Люблю обычные слова Как неизведанные страны, Они понятны лишь сперва.
Затем значенья их туманны Их протирают как стекло, И в этом наше ремесло.
Вот что говорят о Паоле Волковой ее друзья и студенты: “Крупнейший специалист Гумилева, по творчеству Тарковского, ученица Мераба Мамардашвили и Льва Гумилева, вставшая на один уровень со своими легендарными учителями». Она сама признавалась: намеренно не употребляет искусствоведческих терминов: «Чем сложней вещь, тем проще должен быть язык, которым о ней рассказываешь». «Парадоксальность суждений, яркость образов и простой язык – эти лекции почти дословно помнят и спустя десятилетия».
Студентка Волковой А. Ниточкина пишет: “Шедевры потому и шедевры, что в них нет ничего случайного – во всем скрытый от глаза обывателя глубокий смысл. Все это – знаки, послания, которые может расшифровать лишь посвященный. Паола Волкова как нельзя лучше подходит на роль расшифровщика – она умеет подбирать ключи к загадкам старых полотен…Паола Дмитриевна замечательно раскрывает смысл картины «Корабль дураков» … Разгадка скрывается в самом корабле – оказывается так в то время называли церковь, а церковью, как известно, управляет Вседержитель, за кем должны идти верующие. И вот ключ к картине – корабль, который давно стоит на месте, из него даже проросло дерево, он вообще никуда не плывет. А люди на этом корабле – как персонажи балаганного действа, они пьют и гуляют, им все равно: хорошо сидим».
Анализируя «Корабль дураков», Паола Волкова отмечает, что Босх был одним из членов общества «Братства святого свободного духа». Разумеется, Босх был более подвержен другому образу мышления, другим изображениям. Художник нетерпим к негативным событиям и лицемерию в обществе. Волкова отмечает: “Люди на корабле находятся в абсолютной галлюцинации. У них выключен разум, алкоголизм и пьянство лишает человека ориентира, у него выпивка – признак галлюцинаций, реальности человек не понимает. «Корабль дураков» встал почему-то, а куда им идти…» Далее она сообщает, что изображение полумесяца на флаге корабля носит символический характер. Полумесяц символизирует слабоволие. Самое странное в картине это то, что шут не участвует в этом празднестве, он сидит в верхней части корабля спиной ко всем с печальным выражением лица. Художник, отделяя шута от остальных, словно говорит, что на берегах надежд без будущего, люди забыли о сакральных целях, то есть на корабле Петра (церковь) таких людей большинство. В особенности это касается христианства, в котором произошел резкий раскол на протестантство, лютеранство и это оставило свои глубокие следы в этих вопросах. Даже шут, способный своими резкими словами, бесстрашной правдой оставить собеседника в дураках, не может смириться с этим положением. Наряду со всем этим может возникнуть вопрос: «Разве это сюрреализм?» Правда, это не сюрреализм, но и то правда, что именно Босх дал толчок зарождению сюрреализма. «Корабль дураков» – это сюрреалистичное изображение уродливого внутреннего мира пьяных героев. Их образ жизни вызывает в зрителе чувство горького сожаления.
Отойду немного от темы. Я не ошибусь, если скажу, что визуально встретилась и побеседовала со многими авторами на «корабле своих идей». Мы поплыли в синих водах мира, выпили горькой, сладкой воды. Я прошлась по следам путешествий авторов, которые оставили позади века и окунулись в вечность. Этот «особенный корабль» никогда мне не забыть. Насколько авторы отличаются друг от друга, настолько же они похожи. В ответах на вопросы, задаваемых жизни, вы можете ближе их узнать… Мое признание может показаться странным, но это правда. Среди героев, с которыми я познакомилась, печаль одинокого шута из картины Босха «Корабль дураков» живет вместе со мной. Для шута, вынужденного оставаться рядом с безнравственными, пьяными людьми на безнадежном корабле, стоящем на одном месте, как дерево, поросшее на берегу, желание жить тает как свеча. Именно это является причиной моей печали. Одним словом, это такой корабль, на котором даже шут забыл самого себя. Его состояние меня очень огорчает… Босх своей кистью, дал жизнь темам, которые не уместятся даже в толстые фолианты.
Отмечу, что и до Босха печатались статьи в этой области. К примеру, переведенный на русский язык Б.И. Пуришевым «Немецкий и нидерландский гуманизм»: «Немецкий гуманист Себастиан Брант, опубликовавший в 1494 году в городе Базеле свою сатирико-дидактическую поэму «Корабль дураков», живо заинтересовала великого нидерландского гуманиста Дезидерия Эразма Роттердамского. Развивая традиции брантовской сатиры, он в 1509 году написал свою прославленную «Похвалу Глупости»…Еще резче отзывается Эразм о священнослужителях». Далее автор пишет о Бранте: «Брант пишет свою книгу ради искоренения глупости, слепоты и дурацких предрассудков и во имя исправления рода человеческого. Зная, какой удивительной силой обладает насмешка, он направо и налево раздает дурацкие колпаки, подымает на смех обычаи и нравы легиона глупцов, вовсе не подозревающих о том, что они давно уже стали прислужниками глупости. Поэт и на себя напяливает шутовской колпак, дабы получить право безнаказанно говорить людям правду. Он не церковный проповедник, он умный шут, находчивый, наблюдательный и веселый». С. Брант пишет:
Ну, с Богом! В путь пускайся, судно!
Рожать глупцов довольно трудно.
Особый нужен здесь талант!
А я –дурак Себастиан Брант.
В отличие от картины Босха, в иллюстрации к книге С. Бранта «Корабль дураков» намного больше шутов. Они развлекаются с обнаженными женщинами и пьют вино. У корабля пиратский флаг. Корабль, направляющийся в место под названием «Глупландия», почему-то застрял у берега.
К нам, братья, к нам, народ бездельный, Держали путь мы корабельный. В Глупландию вокруг земли Но вот, застряли на мели.
Однако говорят, что в средние века корабль был одной из самых распространенных метафор. Еще в XIII веке в своем произведении «Божественная комедия» Данте был недоволен церковными деятелями и законами. В 5-ой песне «Рая» он пишет: «Ты в основном отныне утверждён; Но так как церковь знает разрешенья, с чем как бы спорит сказанный закон».
Из заметок Киры Некрасовой: «Интересен тот факт, что Босх был добропорядочным бюргером города Хертогенбос и никогда не привлекал внимание современников и даже потомков. Только с появлением фрейдизма и сюрреализма, все вспомнили этого мастера с его странными картинами, напоминающими кошмары из сновидений. Сальвадор Дали назовет себя последователем этого художника. Иероним Босх сыграл в культурном сознании европейского мира очень большую роль, однако, его послание так и осталась, скорее всего, не услышанным».
А.А. Смолин о творчество И. Босха пишет: «Существование добра и зла, их противоборство очень четко выражены в работах этого гениального живописца. Босх, в своих знаменитых триптихах («Воз с сеном», «Сад наслаждений») на левой створке изображал райскую жизнь, на правой мучения преисподней, а в центре располагались скопления человеческих существ, мечущихся между жизнью греховной и духовной. Низменные страсти в его работах преобладают, лишь в образах святых Босх отобразил духовность, которая борется с окружающими ее соблазнами…Он не датировал работы, показывая тем самым, что вопросы, которые он ставит в своих картинах, актуальны во все времена существования человечества».
Отмечу, что в 2016 году, в связи с 500-летием со дня смерти Босха, в мире были проведены выставки его работ. В основном, в музее Прадо было выставлено 50 его картин, а в его родном городе Хертогенбосе – 20.
Его гениальные произведения искусства оставили след в творчестве многих художников, таких как Питер Брейгель-старший, Хуан Миро, Сальвадор Дали и другие. Жизнь произведений искусства – вечна. Вставленные в золотые рамки картины не считаются со временем. Дарящие человечеству свои цвета и смысл, задающие свой вопрос эти творения гениальных умов, вне зависимости от своих рамок, созданы для вечности.
А теперь обратимся к творчеству других художников сюрреалистов. К примеру, у испанского художника Оскара Домингеса есть много статей об этом жанре. В 1936 году Домингес начинает работу над циклом картин под названием «Декалькоманические автоматические умышленные интерпретации». В 1947 году в свет выходит книга стихов «Они смотрят друг на друга». В 1931 году Оскар Домингес рисует свой автопортрет, изобразив себя с перерезанными венами, а 26 лет спустя в 1957 году этим самым способом убивает себя.
Художник создал новый художественный термин «литохромеизм», долженствующий означать застывшее, окаменевшее время. Фантастичная гротескность, асимметричность персонажей, вызывающие удивление фрагменты в его картинах отражают сюрреалистическое мировоззрение художника. Также, как и ослабевший от жажды путник в пустыне стремится к миражу, так и художник-сюрреалист, выходя за грани реальности, рисует сон и мираж, к которым стремится издалека.
Подобное можно встретить на многих картинах Домингеса. Например, «Девушка в красном», «Фигура», «Рука», «Конь», «Лица», «Девушка», «Усатый мужчина», «Тело» и другие. Эти картины, состоящие из частей, фрагментов, напоминающих людей, можно назвать «галереей проклятий». Совершенство и целостность природной красоты, словно была разрушена кистью палача. И тут вспоминаешь русскую пословицу: «Голова хвоста не ждет».
В формировании Домингеса, как художника, велико влияние Андре Бретона, Пабло Пикассо, Сальвадора Дали, Ива Танги.
Разумеется, у каждого художника-сюрреалиста есть своя техника и темы, близкие ему по духу. Это исходит из психологического состояния и жизненной философии каждого художника. Пабло Пикассо сказал о Хуане Миро: «После меня вы откроете новые двери». Знакомясь с творчеством этого художника, приходишь к выводу, что основную сюжетную линию его произведений составляют тайные знаки. И это можно заметить не только в картинах, но и в его скульптурах. Например, «Женщина», «Женщина и птица в темноте», «Личность» и другие. Единство неожиданных элементов в картинах Миро, напоминают зрителю детские рисунки. Как художник-новатор, он так характеризовал свое творчество: «Когда я рисую, я ощущаю странный толчок, и он заставляет меня забыть окружающую меня действительность». Сюрреализм Хуана Миро, прощающий наивное воображение, абсолютно отличается от Оскара Домингеса. Говоря о творчестве Миро, нельзя не отметить такие его картины как «Карнавал Арлекина», «Женщина перед солнцем», «Возделанная земля», «Каталонский пейзаж», «Натюрморт со старыми ботинками», «Сердцу», «Голубая звезда», «Опьяневшая лошадь», «Собака, лающая на луну» и другие. Ведь эти половинчатые, поразительные образы могут быть обитателями других планет. О своих работах он писал: «Люди обязательно поймут, что своими творениями, я открыл для них двери в иное будущее…». И вправду, когда художники-сюрреалисты представляют зрителям новые человеческие формы, невольно вспоминаются геометрические описания инопланетных существ из книг шведского ученого и философа Эммануэля Сведенборга. В случае необходимости, эти существа могут переходить из одной формы в другую. Хуан Миро писал: «Я начинаю рисовать, и пока я рисую, картина сама начинает утверждать себя под моей кистью. Пока я работаю, некая форма становится знаком женщины или птицы. Первая стадия – свободная, бессознательная…Вторая стадия – внимательно выверенная».
Вадим Кругликов в своей статье «Хуан Миро наивный сюрреализм, рожденный в душе веселого каталонца, глядящей на мир как на свое продолжение» отметил: «Может быть, у Хуана Миро есть только одно желание – забыть обо всем и рисовать, только рисовать, отдаться этому чистому автоматизму, к которому я неустанно призываю, ценность и глубокую мотивацию которого Миро, как я подозреваю, проверил самостоятельно, только очень бегло, не исключено, что он будет считаться наиболее сюрреалистическим из нас всех»,– это сказал Бретон, а ему можно верить надо…Сюрреализм Миро рожден в той части бессознательного, где находятся детские и первобытные переживания, они же очень близки и похожи как онтогенез и филогенез- такие картинки, как у Миро, могли бы писать, рисовать и дети, а также люди неолита. Только в отличие от других сюрреалистов, у Миро эти переживания почти всегда позитивные…Еще про них можно сказать, что они архетипичны, как бы находятся в нашем подсознании и несут в себе как бы изначальную символику жизни, оплодотворения, рождения и развития. Но не смерти…Главные свои работы Миро создал в 1920-30-е годы».
Сюрреализм не только в живописи, но и в литературе нашел широкое отражение. В этой стезе особенно прославились Франц Кафка, Ролан Топор, Харуки Мураками, Борис Вианс, Виктор Пелевин и другие. Первым сюрреалистичным литературным произведением можно назвать книгу «Магнитные поля», написанную Андре Бретоном в соавторстве с Филиппом Супо. Хотя суть романов вышеперечисленных авторов и выглядит необычной и фантастичной, их основная цель с помощью сюрреалистического образа мышления найти решение отрицательного влияния общества на мышление и образ жизни людей. Франц Кафка писал: «В моем мозгу ужасающий мир нашел убежище. Как от него избавится, как освободить его, не разорвав на части? Хотя лучше тысячу раз его разбить, чем сохранить, похоронить в себе. Для этого я и живу в мире, мне это абсолютно ясно».
Шарль Бодлер писал: «Жизнь – это больница, где каждый хочет перебраться на другую кровать. Потому что кто-то хочет грустить у огня, а кто-то верит, что будет счастлив у окна. Мне всегда казалось, что хорошо там, где меня нет. Наконец мое терпение иссякает, правду говорят: «Неважно где, лишь бы подальше от мира». Между духовно одинокими, закрытыми людьми и безумцами большая разница. Одинокий человек себя осознает. А безумец – нет. С той минуты, как мы забудем себя, нас никто не поймет. Тут мне вспоминается один анекдот. Как-то больной сообщает врачу, что куда бы тот ни шел, толпа следует за ним. В пустыне, в море они везде преследуют его. Врач говорит, что ситуация и действительно сложна и спрашивает имя больного. Больной отвечает: «Мое имя Моисей». Или, когда Наполеона из 6-ой палаты невозможно было убедить в том, что он не знает французского языка.
Одним из самых пессимистичных писателей в мире считается Гоголь. Когда он прочитал Пушкину первое название «Мертвых душ», он сказал: «Какая же грустная наша Россия». Второй том произведения Гоголь сжигает со словами: «Русь! Чего же ты от меня хочешь? Какая непостижимая связь таится между нами?» Он говорит в «Мертвых душах»: «Спасите меня! Возьмите меня! Дайте мне тройку быстрых, как вихрь коней! …взвейтесь кони и несите меня с этого света! Далее, далее, чтобы не видно было ничего, ничего…» Видимо те, кто выбрали пессимизм как образ жизни, далеки и от юмора. Они стремятся казаться чужими, далекими непостижимыми, стремятся все забыть и быть забытыми. В «Записках сумасшедшего» Гоголя главный герой Поприщин работает мелким чиновником в филиале Петербургского департамента. Он занят переписыванием бумаг и очисткой стола директора. Всегда ходит в старомодной шинели. Безответная любовь к дочери директора Софии и тревожные вести из газет постепенно сводят его с ума. В этом произведении много сюрреалистичных сцен. Поприщин становится свидетелем переписки собак и отмечает, что только дворянин может грамотно писать. Далее он отмечает, что письмо наемного люда бывает механическим, что там нет ни запятых, ни точек, ни слогов и что собаки умеют писать по всем грамматическим правилам. Даты и заметки в его дневнике уже открыто говорят о его психическом состоянии. К примеру: «Я открыл, что Китай и Испания совершенно одна и та же земля, и только по невежеству, люди считают их разными государствами… Завтра в 7 произойдет необычное событие; Земля сядет на Луну. Об этом пишет известный химик Веллингтон… Мадрид 30-ое февраля». Гоголь ясно дает понять, что его герой путает понятия времени и места. Далее в дневнике он пишет: «Сегодняшний день – есть день величайшего торжества! В Испании есть король. Он отыскался. Этот король я. 2000 год, 43 апреля». Мартобря 86 числа, между днем и ночью, Поприщин сообщает, что директор департамента отнюдь не директор, а пробка. После трехнедельного отсутствия на работе, Поприщин появляется на работе как ни в чем не бывало и садится на свое место без извинений за долгий прогул. Когда же ему протягивают бумагу, то вместо подписи директора, он ставит свое имя – Фердинанд VIII. Все с удивлением замолкают. А выходя из комнаты, Поприщин делает жест рукой, мол они, как его поданные, могут и не склоняться перед ним. Поставив последнюю дату в дневнике 34 февраля 349 года, Поприщин уже не осознаёт, что находится в психиатрической лечебнице и считает, что он в Испании и прежде, чем стать королем, он должен пройти через все эти ужасные испытания. Вот что он пишет в дневнике: «Нет, я больше не имею сил терпеть. Боже! Что они делают со мною?! Они льют мне на голову холодную воду! Они не внемлют, не видят, не слушают меня. Что я сделал им?» Вот как оценивают трагедию Поприщина: «Гоголь в очень убедительной форме показал жизнь человека низкого статуса, привыкшего к унижениям и оскорблениям, но именно теряя рассудок, он начинает ощущать себя как личность». Гоголевский Поприщев величает себя Фердинандом VIII, хотя в 2000 году королем Испании тогда был Хуан Карлос I де Бурбон. Разумеется, как ложный Фердинанд, Поприщев не попал в историю, но он продолжает жить в истории литературы. «Записки сумасшедшего», по мнению Белинского, словно история психической болезни, изложенная в лирической форме, и что по глубине и философской значимости эта повесть достойна Шекспира.
